Alle Im_flieger SUPPORTS Artists 2026.
Foto: Paola Lesslhumer
Im_flieger stellt ausgewählten Künstler:innen auf Anfrage (je nach Verfügbarkeit auch kurzfristig) kostenfrei bzw. kostengünstig Arbeitsraum inkl. technischer Ausstattung zur Verfügung, sowie optional künstlerisches/technisches/logistisches Coaching.
violet glace // Flóra Boros (HU/AT)
9 Termine im Jänner 2026 // Research, Probe // Premiere: 29. Jänner 2026, WUK
Flóra Boros choreografiert einen Raum, der bewusst mehrdeutig ist – einen Raum, in dem Sinnlichkeit keiner Erklärung oder erotischen Lesbarkeit bedarf. Dieses Solo entfaltet sich wie eine sich langsam entwickelnde, asexuelle Romanze und lädt das Publikum ein, einen Blick zu erleben, der verweilt, ohne zu verschlingen. Inspiriert von den schrillen Popmusikvideos der 90er und 00er Jahre entstehen sinnliche Tanzsequenzen, die jedoch wieder reduziert und in einen neuen Kontext gestellt werden, sodass der Körper sich bewegen, schwitzen und existieren kann, ohne ein Objekt der Begierde zu sein. Boros entsexualisiert Choreografien mit jedem Hairflip und untergräbt lustvolle Gesten durch Wiederholung. Indem es hinterfragt, wie wir starren, sexualisieren und objektivieren, rückt violet glace die asexuelle Darstellung in den Vordergrund. Und in den Hintergrund. Und all die subtil sinnlichen Räume dazwischen.
KLУNP [ˈklunp] // Sveta Schwin (RU/AT)
13 Termine, Jänner bis April 2026 // Research
Als KLУNP trifft Sveta Schwin auf ein Gegenüber, das aus ihrem Tun entsteht. Das Selbst: Ursprung und Echo. Papier ist die Fuge zwischen Handeln und Begreifen. Im milchigen Weiß kippt Vertrautes ins Fremde, wird Möglichkeit. Im staunenden Blick überschreitet das Selbst sich selbst. Eine Performance über das Erfinden und das Erkennen, über die poröse Linie zwischen Innen und Außen — und darüber, wie viel Welt ein Körper tragen kann.
State Funded Piece of Meat // Jackson Carroll (CA/AT)
10 Termine, Februar/März 2026 // Research
State Funded Piece of Meat sollte ursprünglich ein satirischer Blick auf die österreichische Einwanderungspolitik sein, erzählt durch eine Solo-Tanzperformance mit Stand-up-Comedy. Das wäre ein sehr eindringliches Performance-Stück geworden! Ich bin mir derzeit nicht sicher, was das Stück eigentlich ist. Der Entstehungsprozess war unvorhersehbar und ist noch lange nicht abgeschlossen; er untergräbt seine eigene Sache, schafft es aber dennoch, den Kontakt zu seiner ursprünglichen Absicht aufrechtzuerhalten. Durch die Linse meiner persönlichen Erfahrungen mit der österreichischen Einwanderungsbehörde MA 35 und durch die Erforschung von Schnittstellen zwischen Tanz, Semantik und Comedy werden diese zu Portalen, um die Erfahrung, ein ‚fremder‘ Körper in Österreich zu sein, zu teilen. State Funded Piece of Meat ringt nach wie vor mit der Absurdität der Einwanderungspolitik sowie mit allgemeinen Gefühlen der Entfremdung und des ‚Fremdseins‘.
mirrors, a football and the back of my hand // Marlene Aigner (AT), Coralie Neumann (Bénard) (FR/AT), Bibi Bauer (DE)
13 Termine, März bis August 2026 // Research
Unsere Forschung befasst sich damit, die verschiedenen Ebenen von Erfahrungen, Einflüssen und gesellschaftlichen
Erwartungen zu analysieren, die den Übergang von der Jugend zum Erwachsenenalter prägen. Wie haben wir gelernt, miteinander umzugehen, was haben wir gemeinsam, obwohl wir unterschiedlich aufgewachsen sind, und wie möchten wir miteinander umgehen?
Durch den Austausch möchten wir vergangene Dynamiken beleuchten und gesündere Beziehungen zu uns selbst und zueinander schaffen. Gleichzeitig hinterfragen wir, wie Terminologie diesen Prozess beeinflusst, insbesondere im Kontext der Sozialisierung als Frauen*.
PUSH/ing on language // Misleading Subjects – Sara Kaaman (SE), Alexis Steeves (US/ES), Laressa Dickey (US/SE)
6 Termine, April 2026 // Research
Misleading Subjects ist ein dreiköpfiges Künstler:innenkollektiv, das erforscht wie Sprache und Körper in Publikationen und Performances aufeinandertreffen. Wir betrachten Performance als eine Art von Publikation. Während unseres Aufenthalts bei Im_flieger planen wir eine gemeinsame künstlerische Recherche für eine zukünftige Performancearbeit mit dem vorläufigen Titel PUSH/ing on language. Die künstlerische Recherche basiert auf unseren gemeinsamen Experimenten rund um Sprache, Druck/Publikation, somatische Praxis und Live-Tanzperformance. Besonderes Augenmerk legen wir dabei auf die Dimensionen der Aufrichtigkeit, der Strenge und des Absurden.
80.000 Therapists // Fabian Faltin (AT), Daphna Horenczyk (IL/AT)
5 Termine, April 2026 // Research
Was geschieht, wenn therapeutische Praktiken auf moderne Kriegsführung treffen? Daphna und Fabian lassen ihre therapeutischen Gespräche zu offenen Kämpfen eskalieren, während sie körperliche Konflikte zu höflichen und harmonischen Dialogen entschärfen. Indem sie die unterirdischen Höhlen von Im_flieger als sicheren Bunkerraum neu interpretieren, verschmelzen sie das Schlachtfeld mit dem therapeutischen Bereich und verleihen beiden damit neue und unerwartete Bedeutungen.
Phoenix.Sun // Kasia Wolińska (PL/DE/AT)
12 Termine, Juli 2026 // Research, Probe
Phoenix.Sun ist eine Solo-Choreografie von Kasia Wolińska, die in Zusammenarbeit mit dem Komponisten und Klangkünstler Heinali, dem Videokünstler Denis Kozerawski und der Dramaturgin Jette Büchsenschütz entstanden ist und deren Premiere für das Festival Tanz im August 2026 in Berlin geplant ist. Entstanden ist das Stück aus dem Drang, Feuer zu entfachen – die Choreografie wird zu einer Meditation über und einem Vorschlag für eine Welt in Flammen, zu einem Opferritus der Trauer und der Geburt. In Phoenix.Sun durchläuft der tanzende Körper Zyklen des Entstehens und des Zerfalls, verwoben mit der Bewegung von Klang und Bild.
Das Projekt lässt sich von den Feuerarbeiten des polnischen Künstlers Władysław Hasior inspirieren, der die Geister brennender Vögel besänftigte, die er aus dem vom Krieg zerrissenen Himmel herabfallen sah. Es entfaltet sich durch die kompositorischen und religiösen Visionen der deutschen Mystikerin Hildegard von Bingen, die, inspiriert vom Heiligen Geist, die „Viriditas“ beschwor – ein feuchtes Feuer, das erlöst und neues Leben entfacht, ein brennendes Herz der Selbstaufopferung und Wiedergeburt. Die Choreografie erhebt sich aus der Asche derer, die vernichtet und in Flammen geboren wurden; sie ist ein sonnengeprägter Traum, der das Publikum einlädt, in das Feuer zu blicken – eine Beschwörung von Schönheit und Schrecken und ein Funke der Verwandlung.
Koproduktion: Tanz im August / HAU Hebbel am Ufer, Studio Hrdinů, Czech-German Future Fund, Culture Moves Europe, Adam Mickiewicz Institute, Festiwal Ciało/Umysł Warsaw, Polish Institute Berlin
Partner:innen: Im_flieger, Bears in the Park, Lokomotiva, Stanica, Polka Dot Foundation, Gdański Archipelag Kultury
(Artists werden laufend ergänzt)
Alexis Steeves (US/EE) ist eine Tanzkünstlerin, die zwischen New York City und Tallinn (Estland) lebt und arbeitet. Sie widmet sich Live-Soloauftritten und künstlerischer Praxis. Ihre Fragestellungen sind inspiriert von einem Fundament langjähriger, interdisziplinärer Dialoge im Rahmen von Kooperationen mit bildender und darstellender Kunst. Zu nennen sind hier insbesondere Dages Juvelier Keates, das in NYC ansässige Kollektiv HAM und die gefeierte Choreografin Rosalind Crisp (AUS, EU). Steeves’ künstlerische Forschung befasst sich mit relationaler Ethik und neu entstehenden Praktiken im ko-kreativen Kunstschaffen. Ihr derzeitiger Schwerpunkt liegt auf der (dramaturgischen oder anderweitigen) Begleitung von Tanzschaffenden bei Proben und Produktionen – aktuell Valentina Parravicini und Misleading Subjects (eine balto-skandinavische Zusammenarbeit). Parallel dazu verfolgt Steeves seit 2003 eine Karriere als professionelle Körpertherapeutin. Ihr Studium und die Weiterentwicklung von Berührungsfähigkeiten, Beziehungsdynamiken und verkörperter Sprache prägen ihre künstlerische Arbeit tiefgreifend. Seit 2008 unterrichtet sie zeitgenössischen Tanz, Performance und Komposition an der Universität Tallinn in Estland – bis heute (sowohl als Vollzeit- als auch als Gastkünstlerin). Steeves erwarb als Stipendiatin einen MFA in „New Performative Practices“ an der Stockholmer Universität der Künste (2023) und hat einen BA vom Bard College (2001, USA). Ihre künstlerischen Arbeiten wurden in Estland, Deutschland, Spanien, Schweden, den USA und Großbritannien präsentiert.
Bibi Bauer (DE) ist freiberufliche Tanzkünstlerin. Durch ihre Tätigkeit in verschiedenen Bereichen des Tanzes erweitert sie ihre Perspektiven aus unterschiedlichen Blickwinkeln, die sich gegenseitig bereichern: Als zeitgenössische Tänzerin und Performerin, als Pädagogin, als Video-Cutterin und als choreografische Assistentin bei Gemeinschaftsprojekten und traumaverarbeitenden Theaterproduktionen in Bosnien. Sie hat eine tiefe Freude und Neugier für das Improvisieren und die Verbindungen zwischen der Bewegungsarbeit und dem Leben selbst entwickelt.
Coralie Neumann (Bénard) (FR/AT) ist eine in Wien lebende Künstlerin. Derzeit arbeitet sie als Tänzerin bei Liquid Loft unter der künstlerischen Leitung von Chris Haring. In ihren eigenen Arbeiten strebt sie danach, Stücke zu schaffen, die auf emotionaler Ebene ansprechen und die Komplexität der menschlichen Natur, ihre sozialen Probleme und ihre Beziehungen einfangen. Ihre Choreografien erforschen die rohen und verletzlichen Seiten des Menschseins und laden das Publikum und die Tänzer:innen dazu ein, auf einer tieferen Ebene miteinander in Verbindung zu treten.
Daphna Horenczyk (IL/AT) ist Performerin, Choreografin, Begleiterin kreativer Prozesse, Lehrerin und Mutter. Sie wuchs in Tel Aviv auf und lebt derzeit in Wien, Österreich. In ihrer künstlerischen Arbeit setzt sie sich mit der Differenz zwischen Erfahrung und Repräsentation auseinander und verwendet Ironie als kritisches Werkzeug für soziale Phänomene. Ihr jüngstes Werk Diorama: stories and Passage wurde mit Unterstützung der Stadt Wien und des Bundeskanzleramtes in Wien uraufgeführt. Darüber hinaus wirkte sie in den Werken von Choreographen wie Adrienn Hod (Hodworks), Anna Konjetzky, Ceren Oran, Amanda Piña und Ariel Cohen mit. Daphna studierte Tanz und Choreografie in der Sadna im Kibbutz Gaaton (IL) und SEAD (AT). www.daphnahorenczyk.com
Fabian Faltin (AT) ist bekannt für seine Performances, Romane und als Gärtner. Seine wichtigsten Arbeiten wurden beim Festival der Regionen, dem Londoner Nationaltheater, brut, WUK, Beijing Fringe, Bears in the Park und vielen anderen gezeigt. Er unterrichtet Schreiben und Rhetorik an der Bruckner Universität Linz und leitet derzeit eine Sprecheragentur für Bad Ischl Salzkammergut 2024 – Kulturhauptstadt Europas. www.fabianfaltin.com
Flóra Boros (HU/AT) ist freischaffende Künstlerin und Choreografin, die in Wien und Budapest lebt. Ihre Arbeiten wurden an Orten wie dem Kaaitheater, dem WUK, der Muffathalle, dem Schweren Reiter und dem Theater Akzent sowie auf verschiedenen Festivals gezeigt. Mit ihrer ersten Solo-Performance CINDY erhielt sie 2022 das START-Stipendium des österreichischen Kulturministeriums, sowie das ATLAS-Stipendium bei ImPulsTanz. 2021 schloss sie ihr Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien und an der Universität Wien ab. Sie schloss ihr Studium an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien 2021 ab. Ihre Diplomarbeit wurde mit einem Stipendium der Stadt Wien ausgezeichnet und diente als theoretische Forschung für CINDY. Ihre aktuelle künstlerische Praxis erforscht Intimität, Befreiung aus einer queeren Perspektive und die Lenkung des Blicks, um zu hinterfragen, wie Körper verkörperte Narrative jenseits normativer Strukturen vermittelt.
Jackson Carroll (CA/AT) ist ein kanadischer Tanzkünstler, der derzeit in Wien lebt. Nach einer langjährigen Karriere als Tänzer in internationalen klassischen Institutionen, zuletzt beim Wiener Staatsballett, hat Carroll seinen Schwerpunkt nun auf andere Bereiche verlagert. Er arbeitet häufig mit Chris Haring bei Liquid Loft zusammen und unterrichtet regelmäßig am TanzQuartier Wien. Außerdem war er als Choreograf für David Schalkos „Braunschlag 1986“ tätig. Neben seiner Tanzpraxis tritt Jackson gelegentlich als Stand-up-Comedian auf und produziert DIY-Filme unter dem Pseudonym Anus Varda.
Kasia Wolińska (PL/DE/AT) ist Choreografin, Tänzerin und Autorin. Sie wurde in Danzig geboren und lebt zwischen Berlin und Wien. Ihre choreografischen Arbeiten wurden international an Orten wie Radialsystem, Hebbel am Ufer (Berlin), Dansehallerne (Kopenhagen), Museum of Modern Art, Nowy-Theater (Warschau) oder der Judson Church (New York) präsentiert. Als Tänzerin und Choreografin arbeitete sie mit Sergiu Matis, Lina Gomez, Rosalind Crisp und Anton Vidokle zusammen. Seit 2023 leitet sie das multidisziplinäre Forschungsprojekt „Papieżyca (Die Hohepriesterin)“. Seit 2018 betreibt Kasia den Blog Dance is a Weapon. Ihre Texte wurden unter anderem in e-flux, Palletten, Dialog sowie in den Büchern „Danceolitics“ und „Choreography Autonomies“ veröffentlicht. Derzeit ist sie Teil des transnationalen Systering-Kollektivs. www.danceisaweapon.com www.kasiawolinska.weebly.com
Laressa Dickey (US/SE) ist eine in Stockholm lebende Tanzkünstlerin, Autorin und Körpertherapeutin, deren jüngste Projekte sich mit der Politik der Fürsorge, den Auswirkungen staatlicher Gewalt auf den menschlichen Körper und Weltraummüll befassen. Ihre Arbeit erstreckt sich über verschiedene Disziplinen und Ausdrucksformen. Sie ist Autorin der Gedichtbände „Syncopations“ und „Twang“. Zusammen mit Andrea Steves veröffentlichte sie „Radio Graveyard Orbit“, ein spekulatives Buch über Weltraummüll. Zusammen mit Magdalena Freudenschuss verfasste sie die feministischen Texte „re:assembling emotional labor“ (2019). Für die Bergen Assembly schufen sie und Ali Gharavi „How to Pass Time With No Reference“, eine Multimedia-Installation über ihre Erfahrungen innerhalb und außerhalb eines türkischen Gefängnisses. Ihre Arbeiten wurden in verschiedenen Institutionen ausgestellt, darunter im Württembergischen Kunstverein (Stuttgart), bei der Bergen Assembly, im Center for Book Arts (New York City) und im Nasjonalt Medisink Museum am Norsk Teknisk Museum (Oslo); ihre Gedichtbände wurden am University College Dublin, an der University of Maine (USA) und am Simpson College (USA) im Unterricht behandelt. Als langjährige Schülerin somatischer Praktiken wurde ihre künstlerische Forschung von der Kone-Stiftung unterstützt; sie erforscht den Sprachgebrauch der Tänzerin und den Einsatz des Tanzes durch die Schriftstellerin. Sie ist Mitglied der performativen Kollektive WITHING und MISLEADING SUBJECTS und unterrichtet „Schreiben im Zusammenhang mit künstlerischer Praxis“ an der Stockholmer Universität der Künste (SKH). Sie hat einen MFA in Kreativem Schreiben von der University of Minnesota und einen MFA in Choreografie (Neue performative Praktiken) von der SKH.
Marlene Aigner (AT) ist eine in Wien lebende Tänzerin und Performerin. 2023 schloss sie ihr Bachelorstudium im Fach Zeitgenössischer Tanz an der Anton-Bruckner-Universität in Linz ab. Während ihres Studiums nahm sie an einem Erasmus-Austausch an der Folkwang Universität der Künste in Essen teil. In den vergangenen Jahren sammelte sie vielfältige Erfahrungen als Freelancerin und arbeitete unter anderem für Doris Uhlich, Jan Lauwers und Ceren Oran. Derzeit drehen sich ihre persönlichen und künstlerischen Interessen um die Relationalität menschlicher und übermenschlicher Körper, das politische Potenzial körperlicher Berührung und die Möglichkeit, durch bewegungsbasierte Praktiken der Fürsorge und Verletzlichkeit über die eigene Identität hinauszuwachsen.
Sara Kaaman (SE) ist Grafikdesignerin und Künstlerin, die sich damit beschäftigt, wie Publikationspraxis auf Performance und wie Sprache auf menschliche und übermenschliche Körper trifft. Zu ihren Arbeitsweisen gehören das Schreiben, die Druckgrafik, das Zeichnen sowie das Veröffentlichen in Papierform und mittels Stimme. Ausgehend von verkörperten und feministischen Ansätzen zum Verlagswesen untersucht sie dieses als transformative und befreiende Handlung, die Bedeutung durch Materialität, Verkörperung und kollektive Prozesse gestaltet. Sie ist langjährige Mitherausgeberin von Girls Like Us, einem queerfeministischen Magazin, das Kunst, Politik und Lust miteinander verbindet, und Mitorganisatorin von Munken (Der Mund), einem kulturellen Projektraum in einem Stockholmer Vorort, der sich dem Verlagswesen in einem erweiterten Feld widmet. Sie ist Mitglied von MMS, einem Forschungskollektiv, das die Arbeitsgeschichte von Frauen im Grafikdesign nachzeichnet und 2020 das Buch „Natural Enemies of Books – A Messy History of Women in Printing and Typography“ veröffentlichte. Sie hat einen BA in Grafikdesign von der Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam und einen MFA in Choreografie (New Performative Practices) von der Stockholmer Universität der Künste. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Institutionen ausgestellt, darunter Art in General (New York), Haus der Kunst (München), Index – The Swedish Contemporary Art Foundation (Stockholm), Istanbul Biennale (Istanbul), Göteborgs Konsthall (Göteborg) und Västerås Konstmuseum (Västerås).
Sveta Schwin (RU/AT) 1984 in Sibirien geboren, lebt seit 2007 in Wien. Studium der Darstellenden Kunst in Bremen sowie Theater-, Film- und Medienwissenschaft und Philosophie in Wien. Schwin schreibt und inszeniert Theaterstücke für Kinder, Jugendliche und Erwachsene (Dschungel Wien, Konzerthaus, Theater Spielraum, Kabelwerk u.a.) und arbeitet als Lichtdesignerin, vorwiegend bei Tanz- und Performanceproduktionen. Sie kreiert eigene Lichtobjekte und Installationen. www.svetaschwin.at